"Sharirop" es el sexto álbum de estudio de la banda murciana Varry Brava.
Una palabra que nace de un simple tarareo que se convirtió en canción y que marca el concepto del disco: el baile, la música de baile y los ambientes y espacios en donde todo esto ocurre y las relaciones humanas suceden.
Canciones de fiesta compuestas en casas junto al mar desde la calma e inspiración.
A lo largo de las diez canciones de SHARIROP nos encontramos con varios ambientes de fiesta: un festival (“El último festival”), el parking de una discoteca (“Tierra para Bailar”), la casa de unos amigos (“Boomerang”), un banco en la calle (“Castigo”), un after (“El Aire”) o la faceta más elegante de la fiesta, la ópera en “Fígaro”.
Este es, en definitiva, el mejor disco de los murcianos y un paso adelante en su rutilante carrera.
"¡Ahora!" es el quinto disco de estudio de los madrileños Biznaga. No creo que a estas alturas necesiten muchas presentaciones, pero si este nuevo disco está a la altura del resto de su discografía, estamos ante un gran disco.
En la nota que manda su sello Montgrí a las tiendas dicen: “Biznaga son chavales que han leído unos cuantos libros, a quienes han echado de unos cuantos empleos, y analizan la gravedad de su situación en un banco del parque, rodeados de cáscaras de pipas y litronas y el ocasional vómito.
“La sociedad se desmorona”, exclaman, usando una retórica no sujeta a interpretación. Biznaga se declaran en contra del mundo moderno, a contrapelo del poder y con una “creciente inclinación por la plebe”, que decía Dovlátov.
Exaltan a los humildes: los repartidores con un pie en la tumba (“Réquiem por un rider”) y las parejas unidas solo por la hipoteca (“Espejos de caos”); los falsos autónomos, los feos y los no-productivos; todos aquellos que han sido excluidos de la fiesta privada del capitalismo.
Si el punk rock iba de algo, era de esto. Nos están engañando a base de bien, y por eso, más que nunca, necesitamos marchas triunfales. Contra la oligarquía y la metáfora, por el entusiasmo, la dureza y la razón histórica del proletariado, pegando guitarrazos y berridos, están los Biznaga.
Espabilados y autocríticos, melancólicos y enfadados pero guiados por el cariño.”
"Nueva sinfonía sobre el caos" es el título del álbum de León Benavente para el año 2024. Con avances como En el festín, un relato, casi una ensoñación, de un banquete repleto de luces y sombras, inspirado en la película 'El ángel exterminador'; Nada, una oda a la indolencia, a la inactividad y a la pereza; y La aventura, un single que transmite ganas de vivir, de disfrutar, de sonreír y de rendirnos a todo lo que lleve a nuestra mente a un momento de gozo absoluto.
El grupo lo presenta como "un álbum directo y reflexivo, con canciones poderosas y bailables que representan para nosotros la sinfonía de un nuevo tiempo en el que vivir rápido parece ser la única respuesta a una constante incógnita".
El disco por León Benavente: "Llevamos ya unos años transitando un camino de aprendizaje y transformación, buscando que cada nueva canción nos lleve un paso más allá que la anterior. Queremos pensar que con "NUEVA SINFONÍA SOBRE EL CAOS" hemos llegado al lugar exacto al que nos dirigíamos, sin saberlo, con nuestros pasos anteriores. Una vez hemos llegado a ese lugar, nos preguntamos: ¿Qué hacemos aquí? ¿Qué lugar ocupamos como individuos y como grupo en este fugaz desorden? ¿Somos capaces de mutar y seguir emocionándonos?.
Intentamos cambiarlo todo para sorprendernos, desde los métodos de composición a la participación, por primera vez, de un productor durante la grabación.
Elegimos a Martí Perarnau IV porque nos gusta su forma de entender la música, su habilidad para transitar entre la electrónica y el rock, su mentalidad fresca y abierta.
Confiamos en él para ese proceso de metamorfosis que toda banda con un poco de inquietud acaba necesitando cuando empieza a contar sus años de historia. Elegidas las piezas, nos juntamos durante varias semanas en un estudio en Galicia para volcar toda nuestra energía en este nuevo álbum.
Queríamos un disco corto y directo, canciones clásicas en estructura pero valientes y arriesgadas en la forma, poderosas y bailables, hedonistas y, a la vez, reflexivas. Un trabajo fiel a nuestra personalidad y abierto a todo cuanto escuchamos en el presente. Si este álbum pertenece a algún estilo, al menos que lo haga de forma distinta. Esas eran nuestras premisas.
Es una obviedad decir que vivimos tiempos revueltos, lejos de un orden lógico. Todo cuanto pasa a nuestro alrededor nos afecta de un modo más o menos directo y hace que la fotografía de ese momento sea diferente a las demás. Estas canciones, este conjunto de voces e instrumentos, de ritmos y texturas, representan para nosotros la sinfonía de un nuevo tiempo en el que parece que vivir rápido es la única solución a una constante incógnita. Nosotros nos hemos tomado nuestro tiempo para que suene de esta manera, para que sea esta la sinfonía y no otra.
Quien la escuche al completo podrá después deshacerse de ella o, por el contrario, llevarla siempre encima como un amuleto."
Empezar un disco con un discurso de Pepe Mújica es una declaración de intenciones. Que la primera frase cantada en tu disco diga “Ni estudio ni trabajo” es una declaración de intenciones.
Hacer un disco de rock urbano siguiendo un linaje tan variopinto como Rolling Stones - Primal Scream - Los Planetas - Spaceman 3 - Carlos Berlanga - The Make Up - Motown - Astrud y no hacerle ascos al autotune es una declaración de intenciones.
Kokoshca se niegan a envejecer. Kokoshca odian el trabajo y buscan la felicidad entre bares, desencuentros, revolcándose en la nostalgia y huyendo de ella. A Kokoshca les queman las baldosas.
Durante mucho tiempo la conversación con mis amistades fue la que sigue: (alguien cita a Kokoshca) Automáticamente yo: ¡Los mejores! A veces he jugado al final de la noche a intentar encontrar una canción en castellano que gane a las mejores canciones de Kokoshca. He pasado una hora haciéndolo hasta agotar a mis acompañantes y vaciar el bar. Es muy difícil sacarme de mis trece porque realmente tienen uno de los cancioneros más increíbles de su generación. Y su generación incluye a varias generaciones porque el sentimiento es inmarchitable.
Kokoshca es una forma de estar en la vida con el convencimiento de que todo podría ser distinto y casi mejor vamos a emborracharnos.
En “La juventud” están todos los temas de Kokoshca. Según la escritora Anna Pacheco (en el podcast del grupo, “La juventud”, donde han invitado a gente como El Drogas, Isa -Triángulo de Amor Bizarro- y a Anna Pacheco) estos son: Canciones para no olvidar a alguien, canciones para no trabajar y canciones para no acabar la fiesta. A veces todo a la vez. A mi me gusta pensar que la discografía de Kokoshca le pasa toda al protagonista de “La fuerza”. Le busco en cada disco para ver cómo está. Saber si sigue yendo a los bares peores, si pasó página (nunca lo hizo), si me cae bien todavía. Ese hilo vital les mantiene vivos. El personaje envejece, se desdibuja, persigue ciertas cosas. El poso de los discos, lejos de enterrarles en el tedio les sirve de escalera para llegar a los estantes más altos, repitiéndose aquello que decía Verdaguer primero y Surfin’ Sirles después: “señor dame alas o quítame las ganas de volar”.
“La juventud” es el quinto disco de Kokoshca -el noveno si contamos con sus primeros CD-Rs- y es posible que el mejor. Todos sus estribillos conducen a la afonía, las guitarras suenan mejor que nunca, siguen sumando géneros sin que parezca que han cambiado -el corrido tumbado de “mi barrio” o la cumbia dub de “nos pasa siempre”-, y hay parodia, nostalgia, baile, aspereza, muchos mareos y nervio. Está grabado hace un año en Grabaciones en La Mina por Raúl Pérez y parece un grande éxito. El último clásico del pop-rock español. ¡Los mejores!
El cuarteto valenciano Star Trip regresa con su tercer álbum de estudio, "Velocidad".
Continuando con su estilo distintivo, la banda fusiona el sonido armónico del jangle pop con influencias del power pop, en una clara referencia a bandas icónicas como Teenage Fanclub, The Byrds y Big Star.
"Velocidad" es una obra de 30 minutos repleta de melodías suaves y guitarras luminosas, que refleja una estética retro pero con una sensibilidad contemporánea.
El álbum ha sido lanzado bajo el sello independiente Pretty Olivia Records, y ha recibido elogios por su calidad musical, mostrando un equilibrio entre la energía juvenil y la elegancia en la composición. Canciones como "Tu peor enemigo", segundo sencillo del disco, destacan por sus melodías envolventes y colaboraciones con artistas como Santi Campos y Txema Mendizábal, aportando aún más profundidad a su propuesta sonora.
Los figurantes para Vetusta Morla son la tramoya imperceptible de la realidad y de lo que nos sucede, los mecanismos ocultos que animan e impulsan hacia adelante el relato de nuestras vidas. Son las teselas de un mosaico que quizá se podría entender si faltara una en concreto, pero de ninguna manera si faltaran todas.
“El protagonista sería nuestro propio público, que es quien da sentido a nuestra carrera, los verdaderos "Figurantes" y protagonistas de las canciones.
Para ello hemos trabajado de la mano del estudio Boa Mistura en una línea artística y de desarrollo que nos ha llevado a tener entre las manos los objetos más hermosos que, creemos, hemos alumbrado nunca.”
Camila regresa con dosis de verdadero amor. La banda, cuya alineación original está de vuelta tras 10 años, lanza disco en el que profundiza en temas como el amor, la soledad y el crecimiento personal.
Los integrantes de Camila son reconocidos por cantarle al amor desde hace casi dos décadas, pero ni con eso en mente, creen que sea una emoción sencilla de descifrar.
De hecho, quieren dejar claro que cualquiera puede confundir ese sentimiento.
“Es importante distinguir entre el amor verdadero y el miedo a la soledad”, reflexiona Pablo Hurtado.
“Cuando entiendes esta diferencia, puedes saber si estás con la persona adecuada o qué buscar en tu vida. El secreto está en estar bien primero contigo, sin sentirte solo antes de necesitar a alguien que llene ese vacío”, dice el guitarrista.
Un poco por ello, la agrupación conocida por temas como “Todo cambió” o “Abrázame” se ha aferrado a re-explorar en sus letras lo que es el amor, sin dejarse influenciar por modas musicales y temáticas, pues coinciden en que, como sucede con ese sentimiento, lo que provoca en la música perdura más allá de algo meramente pasajero.
“Creo que las canciones siempre nacen desde la honestidad y nuestras experiencias de vida. Esa esencia no cambiará, ya que mientras vivimos situaciones, seguimos escribiendo sobre nuestra evolución como seres humanos”, cuenta Samo en entrevista.
Producto de esa búsqueda, es que sonarán nuevamente con sus integrantes originales (Mario Domm, Pablo Hurtado y Samo), en su nuevo material titulado "Regresa", que marca su reencuentro.
Tras la salida de Samo en 2013 para enfocarse en su carrera solista, la banda decidió acabar con la separación y no sólo conquistar a sus antiguos fans, sino mostrar mayor madurez a través de sus letras y su entendimiento del amor.
Han pasado más de 10 años desde la última vez que los tres estuvieron juntos, razón por la que coinciden que sus prioridades han cambiado. Ahora, aseguran que buscan enfocarse mucho más en el crecimiento personal y la calidad de sus relaciones como banda, tanto dentro como fuera del escenario.
En "Nocturna" de Javiera Mena encontraremos el pop sintetizado de la artista chilena con mucha energía, con tópicos internos, como la sombra, los vicios y la pérdida del sentido, que cumple el difícil cometido de poner al personal a bailar sin dejar de resultar emocionante como pocos.
Y también encontraremos algunas canciones más ‘chill’, muy inspirada siempre en Sade, George Michael y Lisa.
Su quinto álbum de estudio Nocturna, un disco "que habla de amor", de sensualidad y de libertad, a pesar de haber surgido a partir de una revuelta social que ocurrió en Chile en 2020 y un poco antes de la pandemia.
"No es un disco que hable de política, pero en Chile hubo un estallido social que fue un punto de partida, no porque detonara algo dentro de mí, sino porque justo me tocó en esa época. Estaba muy inspirada y nació de estas ganas de escribir cosas sobre gente que lo está pasando mal, con un mundo en destrucción que se acrecentó con la pandemia. Porque al final somos seres humanos, amamos y sentimos pasión. Y esta cosa de la pasión sigue presente en nosotros a pesar de que le mundo se esté cayendo a pedazos".
Es una obra que lleva poco tiempo en manos del público pero que, según hemos podido saber por su autora, la acogida hasta ahora "ha sido super buena". "Siento que cada vez me dicen cosas diferentes y una obra cuando es rica tiene diferentes opiniones: a alguna gente le gustan unos temas a otra, otros, así que estoy super contenta", atestigua.
¿Y cómo se consigue que la historia detrás de estas canciones se mantenga vigente tras dos años en los que hemos vivido una realidad muy concreta en la que han brotado sentimientos y situaciones que nunca antes habíamos experimentado (cuarentena, aislamiento, encierro)? "Eso es un desafío para mí como escritora. Yo siempre que hago canciones quiero que sean atemporales, por eso no me meto mucho en lo contingente. Es un reto poder hablar del año 1900 como del 2500... El poder habitar contextos y fotografías de las imágenes que van más allá de la época que estamos viviendo", ha comentado.
Abrazo Fantasma, es una selección de 12 canciones que reflexionan sobre el amor, la nueva era y las relaciones, siempre en el código de Prehistöricos.
Su último trabajo data de 2016, "La velocidad de las plantas". El autor, Tomás Preuss, nos cuenta un poco sobre su larga travesía.
"Ha sido un largo viaje hasta aquí desde el 2010
con la orquesta oculta y 13 años después este abrazo fantasma. Quiero aprovechar si me lo permiten de hacer un brindis para reconocer y valorar a todas las personas creativos y entregadas en este proyecto, músicos y músicas que estuvieron involucrados con mucha dedicación en estas canciones, cada canción ha sido un viaje único y especial, estoy muy agradecido de que haya quedado registrado como una foto con sonido este viaje de 7 años., ojalá no lo destruya el tiempo".
En sus inicios, Carlos Gasca había pasado por numerosos grupos tocando la guitarra y el bajo hasta que comienza a componer con su ordenador temas como "Estratosfera" o “Mal Ladrón”.
Su vecino le anima a que mande una maqueta a Elefant, sello que se interesa firmemente por él.
Tras editar un disco en 2001 con Elefant Records ("Telescopio") y otro en Discos de Paseo, (doce años más tarde, en 2013, "Suerte"), el proyecto quedó nuevamente aletargado hasta que en 2020 despertaba nuevamente con nuevo disco en perspectiva de la mano de El Genio Equivocado.
"Canciones" (2021) se empezó a gestar en marzo de 2020, cuando en aquel encierro obligatorio, Carlos empezó a componer nuevas canciones.
Catorce canciones que consiguen cumplir con un doble objetivo: ser continuista y absolutamente rompedor al mismo tiempo.
Por un lado, mantiene intacta la esencia de la banda que los ha convertido en la principal referencia de la nueva ola del pop punk con canciones como "Polaroid" o "Amor a quemarropa".
A la vez, se atreve a experimentar con osadía con otros géneros y sonidos hasta hacerlos propios en canciones tan distintas como “Los ojos, chica, no mienten” o “Todo mal”.
Este mismo eclecticismo se hace evidente a través de las diferentes colaboraciones del disco, en las que han unido fuerzas con artistas tan dispares como Soleá Morente, Reneé, Samuraï o Carlos Sadness en los arreglos.
Plagado de nostálgicas referencias al cine, "Blockbuster" es una sucesión de hits donde convive el drama y la comedia, la aventura y la emoción.
La excepcional acogida de los singles de adelanto como “El principio de algo” o “Quiero quedarme para siempre” presentes en listas de éxitos desde su lanzamiento, son una buena muestra del altísimo nivel de un álbum redondo con ocho canciones inéditas aun por descubrir.
Los mejores regalos son los que llegan de forma inesperada.
El nuevo disco de Russian Red, "Volverme a enamorar", es uno de ellos.
Durante 2023, la cantante madrileña fue compartiendo sus nuevas canciones, poco a poco, sin prisa y sin más intención que volverse a enamorar de la música. Lo consiguió. Ni que decir tiene que, por el camino, también ha seducido a sus seguidores de siempre y a nuevos fans que se han ido sumando a una propuesta tan única en el panorama actual como irresistible.
Ahora, esos adelantos se suman a otras canciones inéditas para conformar el que es el nuevo álbum de Russian Red, el quinto ya de la vocalista y compositora madrileña Lourdes Hernández.
Un trabajo evocador, lleno de misterio y que nos devuelve a una figura capital en la música española de lo que llevamos de siglo. Su facilidad para encontrar melodías que se vuelven memorables a la primera escucha sigue ahí, impertérrita.
También su particular forma de cantar: su voz siempre ha sido privilegiada y la verdad es que cada vez lo hace mejor.
El cuarto álbum de estudio de Daniela Spalla lleva por nombre "Dara", titulo que deriva de un su apodo familiar que portaba durante su infancia. Esta nueva entrega se define como un regreso a los orígenes de la cantautora después de un proceso difícil en su vida, al encontrarse en medio de un bloqueo artístico:
Es el sobrenombre que a mí me decían en la secundaria. En realidad sentí que era momento de darle gusto a esa adolescente que le gustaba mucho el pop, ir más a esa fantasía. Cuando hice este disco tenía bastante miedo si iba a gustar o no, a la gente le ha gustado y eso me abre un poco el camino a seguir buscando, explorando y arriesgando.
Este camino a reencontrarse con su adolescente interna le trajo diferentes dificultades al momento de realizar las canciones pertenecientes a "Dara", de lo cuál comentó lo siguiente:
Fue un disco desafiante, como todos, pero a este lo sentí particularmente difícil. Sabía que quería hacer algo diferente, pero no tenía claro a qué sonido quería llevar, ni por dónde ir. Sé que los procesos creativos son así, pero también me frustré y me desesperé en muchos momentos.
El heredero de la dinastía Fernández presenta su nuevo disco: 12 canciones con lo mejor de la tradición ranchera y una combinación de ritmos actuales que llevan el género a otro nivel, como lo demuestra "La Tóxica", un sencillo que se suma a la nueva obra maestra de Alejandro Fernández.
Pocos artistas son capaces de mantenerse vigentes a lo largo de diferentes épocas y facetas. Uno de los elegidos es Alejandro Fernández, quien mantiene intacto su legado gracias a "Te Llevo En La Sangre", un disco donde utiliza el sonido clásico del mariachi-ranchera y lo combina con géneros actuales, creando una obra maestra donde pasado y presente convergen para crear los ritmos que definirán el 2024.
Después de sencillos como "No Es Que Me Quiera Ir", "Cobijas Ajenas" o éxitos como "Inexperto en Olvidarte" y "Difícil Tu Caso", llega el lanzamiento de "Te Llevo En La Sangre" con el tema "La Tóxica", donde Alejandro colabora con la cantante y compositora brasileña Anitta para retratar una de sus composiciones más completas hasta la fecha. En él, ambos artistas despliegan su voz sobre una base instrumental que combina los sonidos del corrido, el norteño y el mariachi, creando un sonido que deslumbra por su imaginativa combinación.
La letra de "La Tóxica" retrata a la perfección los sentimientos de paz y alegría que experimentamos después de dejar una relación tóxica, un concepto muy moderno que define las relaciones del siglo XXI, haciendo de cada verso una oportunidad para dedicarse cándidamente (como hace Alejandro en la parte instrumental) y transformarlo en pura catarsis.
Esta convergencia de tradición e innovación se puede sentir a través de los 12 temas que dan vida a "Te Llevo En La Sangre", donde brillan las cinco canciones mencionadas anteriormente, así como grandes melodías como "El Vicio De Quererte", "Es Ella", "La Última Y Nos Vamos" y "Que Bien Te Vino El Adiós".
Con todo, Alejandro Fernández mantiene su lugar como el principal representante de la música mexicana en el mundo, mientras entrega uno de sus álbumes más completos hasta la fecha. Sin duda, "Te Llevo En La Sangre" promete convertirse en un clásico instantáneo no solo en la carrera musical de Alejandro sino también en la historia de la música tradicional mexicana.
Amateur es la continuación natural de La Buena Vida, el proyecto en el que militan varios de sus componentes de entonces, los que siguen en activo.
Evidentemente Mikel Aguirre era la voz masculina y compositor de muchos de sus temas por lo que nadie mejor que él para seguir defendiendo un legado histórico. Mientras suena la música de Amateur puedes perfectamente imaginar al grupo que creó “Soidemersol” con la misma sensibilidad e inspiración de entonces.
Llegan a Mushroom Pillow para seguir aportando su clasicismo atemporal al panorama musical, algo de lo que no muchos proyectos pueden presumir... Pero también para aportar un tipo de construcción musical ajena al foco actual, pensando más en Dylan o en Scott Walker que en sonidos bailables.
Siguen su propio camino sin inmutarse sobre lo que sucede, como un pintor ajeno a cualquier cosa que no sea su trabajo y pensando en el largo recorrido y en la trayectoria más que en conseguir la atención inmediata.
Además de Mikel Aguirre, Iñaki de Lucas y Cheli Lanzagorta, todos previamente en La Buena Vida, el elenco de colaboraciones en el disco incluye a Isa Cea (Triángulo de Amor Bizarro), Diego Vasallo, Joserra Senperena (Duncan Dhu, La Buena Vida, Quique González, Iván Ferreiro, etc), Joseba Irazoki (Atom Rhumba, Duncan Dhu, Nacho Vegas), Oriol Flores (Izaro, Javi P3z, Miqui Puig, etc) y Pedro Gracia Pérez de Viñaspre (Havoc).
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Claro de luna
El huerto provenzal (con Triángulo de Amor Bizarro)
Darle al play y empezar a escuchar las canciones de "Clarividencia" es como encontrarse a un viejo amigo al que hace tiempo que no ves. Suena Soledad/Clarividencia (corte de apertura del elepé) y, de inmediato, una atmósfera cortante e inquietante te hace recordar que estás escuchando a Nudozurdo.
No resulta fácil conseguir transmitir tu personalidad en unos pocos segundos de escucha. Pero es que el combo madrileño no hace prisioneros: cada compás da la sensación de ser importante, cada verso parece necesario.
Su primer disco en cinco años es una apisonadora sonora en la que conviven melodías cristalinas y texturas crepitantes; momentos expansivos y rincones íntimos en los que refugiarse.
La edición deluxe en formato vinilo gatefold, incluye un 7” exclusivo con los temas Angel Genetics, single de regreso que no esta en el disco y ‘La Bruja’ canción monumental que igualmente sólo se podrá conseguir en esta edición.
El grupo que lidera Paula Trama continúa con su propuesta de art pop.
Los Besos, la banda porteña liderada por la cantante y poeta Paula Trama, lanzó en 2023 "Nadie duerma", su nuevo disco de estudio.
"Nadie duerma" es el sexto disco de esta orquesta art pop que explora la canción en todos sus géneros.
Según informó el propio grupo, el álbum es la profundización del recorrido pop que la banda viene desplegando con cada vez más fosforescencias y sutilezas.
Un relato de diez canciones que recorren una gran variedad de instrumentación, personajes, climas y voces, o de una gran canción que nos lleva de la mano por una geografía emocional y sensitiva vertiginosa y mutante.
En este quinto álbum, titulado "De lo que no se habla no se olvida", muestra un sonido más crudo y una mezcla de noise-blues, rock progresivo y post-punk, diferenciándose claramente del estilo lo-fi y las coplas acuáticas de "Enemigo de lo auténtico" de 2021.
El álbum presenta ocho temas cargados de intensidad y exageración deliberada. Un trabajo notable por su singularidad y su capacidad para desafiar las expectativas, destacándose en el panorama musical actual.
