Gerente nos anuncia el estreno de su nuevo videoclip Maldita Ciencia, segundo single de su álbum "Ciencia Mundana". Para celebrarlo, han preparado el -Tour Mundano- que este mismo sábado 3 de marzo pasa por el Ebrofest de Miranda de Ebro donde acompañarán a Grises, Rufus T. Firefly, Pecker...
Ya podéis disfrutar de nuestra visión del apocalipsis con este vídeo que ha sido realizado por Luces del Ayer Producciones.
Nos vemos.
Gerente os quiere. Amor mundano para todos. -
Joe La Reina, la banda donostiarra afincada en Madrid, retoma el camino trazado hace tres años en "Bailamos por miedo" a través de una receta de heterodoxia creciente. Llámalo post-rock o pop fusión anómalo, lo único cierto es que los de Donostia tienen claro que quieren labrarse su propia senda. Y para ello, torna fundamental la virtud del autodescubrimiento.
Armados con una paleta de requiebros estilísticos basados en la imprevisibilidad, cortes como Soy uno más y Nadie me representa emergen como representaciones de islas musicales, en las que los brotes de post-folk, electrónica analógica, hip hop y post-disco fracturado se entremezclan dentro de un monumental cuerpo frankeinsteniano.
Quizá sus modelos se podrían encontrar en bandas como Grizzly Bear o en una versión más pop de These New Puritans, aunque lo bueno del caso es que sortean referentes y paralelismos con absoluta naturalidad: haciendo de lo difícil un giro que suena sencillo, jamás forzado por epatar con las formas menos habituales.
La reiterada búsqueda de lo inaudito se ve aumentada por el poso existencialista con el que nutren el verbo de su poesía. Disconformidad y acentuación del «yo» dentro del colectivo, tantas son las ambiciones narrativo-musicales del grupo que, sí o sí, los resultados acaban desbordando como un grito insurgente de música terapéutica, pero también para escuchar bajo un poso constante de reflexión. En cualquier caso, una banda diferente, buscando matizar aún más la caligrafía de su firma.
Tras el manual del buen hacer que supuso el álbum debut "Esto tiene que doler" y su segunda referencia "Existen moscas que se relajan durante el vuelo",Monte del Oso regresan con nuevo disco bajo el brazo.
El trío pamplonica integrado por componentes de bandas como Foot Outside, Muy Fellini o Kaskezur, sigue en senda ascendente con "Cosas que salvar de una casa en peligro", un álbum cargado de canciones arrolladoras, o como ellos bien dicen, "cargadas de ruido melodioso y no-caos sonoro". 💔
Tras la gira de presentación de su primer álbum "Hasta que los pulsos paren" (2015) –que les llevó a pisar grandes escenarios como el del festival No Sin Música (Cádiz)–, los gaditanos presentan "Vértigo y Victoria", un nuevo trabajo con el que pretenden llegar a un público mayor, con el objetivo de llegar a ser una de las revelaciones musicales y emergentes de este próximo año en el panorama musical de nuestro país.
Grabado en los Estudios LaViña (Baeza, Jaén) por Javi Valverde (Supersubmarina, Jack Knife, Caballito de Mar Man...) y masterizado por Piti Martínez en Madrid, "Vértigo y Victoria" dibuja una línea en el tiempo a través de canciones, un viaje lleno de interrogantes y obstáculos a los que cualquier persona se enfrenta en su vida diaria. Es un reflejo de la actualidad, de la inmediatez, mostrando el ritmo del momento que vivimos.
"Vértigo y Victoria" plantea críticas y una mirada introspectiva mediante canciones que envuelven al oyente en una atmósfera más que característica de la banda.
El segundo álbum de Turmalina, pretende mostrar el nuevo sonido de los gaditanos y transmitir la fuerza y energía de sus directos. No cabe duda de que nos encontramos ante una de las bandas a tener en cuenta en la efervescencia de la escena emergente nacional.
Tras la buena acogida de la publicación del single "Leteo", los gaditanos buscan, a través de este nuevo disco, mostrar su nuevo sonido –un powerpop sugerente con pinceladas de noise– y seguir transmitiendo, como desde sus inicios, la fuerza y energía de sus directos.
Single de los valencianos La Habitación Roja que no fue editado físicamente y que sólo se puso a la venta en tiendas digitales.
Febrero es una canción extraída de su álbum "Universal", un disco que a nuestro parecer, es de los mejores trabajos de la banda. Las otras dos canciones son canciones no publicadas anteriormente ("Universal" incluye la versión no instrumental de Younger).
Con pulcritud de anticuario, el músico Juan Cruz Roa Raffo, alias Marica Mala Programada Para El Mal, lleva ya varios años examinando y recuperando sonidos que tienen como principal referencia el pop de sintetizadores de finales de los 70 y principios de los 80.
Su recorrido es coherente con esa búsqueda: fue socio de Chico Ninguno, referente de la indietrónica local, y hoy forma parte del ejército electropop del músico y artista visual uruguayo Dani Umpi.
El rumbo de "Sufrida de Cocó" lo define la pátina de sintetizadores, el resto es un disciplinarse a esa estética mitad jingle sentimental mitad pista de baile, que siembra ironías por todos lados. El costado lúdico del EP se consolida con un dato que Raffo aporta en el bandcamp de Maricas Malas: “Grabado con un módulo Roland u-220 del año 1989”. La exhibición de la máquina y su año de despacho es otra de tantas pistas que dan coherencia al rasgo más pop de este disco pop: la mirada enamorada al pasado.
El resto es una elaboración de canciones correctas que dan pie a una interminable continuidad de riffs pegadizos, pomposos y bien ubicados.
"Fuengirola" es un mini-LP de once canciones que marcó el primero de los (innumerables) cambios estilísticos de Flow.
Su primer disco, "Headquake", era una colección de temas en inglés que bebían directamente del noise y el indie americano de la época, y con "Fuengirola" no solo incluyeron el castellano, sino que también ampliaron miras, manteniéndose en Estados Unidos, pero con toques blues y folk que añadieron matices muy interesantes a su música.
En tan solo trece minutos, Flow arriesgan en casi cada canción con una producción primitiva, casi inexistente.
Abre el disco "Cuento de verano", una pequeña joya acústica de desamor y nostalgia con unos arreglos de piano que emocionan escucha tras escucha y que resulta ser lo más destacable. Después se suceden temas algunas bromas ("Fire Alarm" es, como indica su título, una alarma de incendios sonando durante medio minuto), instrumentales que no aportan gran cosa, por no decir nada ("Señor, cuando me llevarás", "Ranch tears"), ecos de su primer disco ("Rod Stewart", "Picaneto"), avances de lo que serían los Flow de "Sensazione" ("Marsuf, el viajero del espacio") y alguna pista que daría el pego en el "Surfer Rosa" (4AD, 1988) de los Pixies, especialmente "Gotcha!", que cierra "Fuengirola".
A pesar de su sonido 4 pistas y de la evidente falta de trabajo en la grabación, "Fuengirola" es un artefacto indispensable para pasar del noise de "Headquake" al pop con mayúsculas de "Sensazione", una especie de esbozo de lo que estaba por venir. En definitiva, una transición necesaria para un grupo en constante cambio, que puede gustar más o menos, pero que siempre sorprende.
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Cuento de verano
Fire alarm
Fuengirola
Rod Stewart
Marsuf, el viajero del espacio
Señor, cuándo me llevarás
Fostex garbage blues
Milky ghost
Picaneto
Ranch tears
Gotcha! ESCUCHAR - DESCARGAR Fuengirola
La salida del primer disco de El Hombre Burbuja fue complicada. Una combinación de mala suerte y de mal hacer por parte de las discográficas que querían aprovechar el “tirón” del indie en los 90. A causa de ello, el disco estuvo a punto de no ser ni publicado y dejar sin ilusión a un grupo que comenzaba a dar sus primeros pasos. Sin embargo fue Caroline (ahora Everlasting) la que rescató tanto al disco como al grupo para su catálogo. La portada que salió en la edición de Caroline fue sustancialmente diferente a la que ya tenían incluso editada con Polygram. En cambio, la producción del disco no se alteró y se mantuvo la que realizó un año antes Huw Price, cuyo trabajo en España ha estado relacionado con grupos de la escena independiente como Iluminados. El grupo posteriormente se desprenderá de esta producción muy en boga a mitad de década en España, e incluso, en algunas entrevistas renegarían del sonido del mismo (no así de las canciones). En cuanto a las composiciones, cabe decir que Julio de la Rosa, o Jul mientras fue la voz cantante de El Hombre Burbuja, es un compositor con la suficiente personalidad como para que se note en cualquier obra en la que participe, incluso en este debut homónimo del grupo. A pesar de que el sonido y los arreglos de "El Hombre Burbuja" deban tanto a tótems del indie como Sonic Youth, Pixies y sobre todo, Pavement, la forma de interpretación, la actitud y las letras tienen una personalidad propia. El sello personal que de la Rosa imprime a sus canciones. Las virtudes de este debut son la energía, y el acierto en algunos de los medios tiempos (El té de los locos” es lo mejor del disco). Pero se debe tanto a un sonido en concreto que es difícil abstraerse y separar la paja del grano (hay tanto de la una como del otro). Si bien tienen referentes comunes a muchos grupos españoles de la década, la forma de atacarlos resulta similar a la de El Inquilino Comunista (el grupo que mejor dio a conocer a Pavement en este país). Prueba de ello son “Buzos (en la luna)” o “Rey Mugre”, donde roban a Pixies el “It´s educational!” de “ U-Mass” para transformarlo en “¡Es espectacular!”. Si la mitad de los temas lo componen insulsas muestras de indie rock patrio, como la vergonzante “Bashful”, la única en inglés, hay que señalar los temas en los que El Hombre Burbuja se encuentran sobrados. Uno, el citado más arriba, “El té de los locos”, claustrofóbico medio tiempo, de referencias carrollianas, que a pesar de ralentizar el disco, supone uno de los puntos cumbre del mismo. Otra, aunque algo menor, “Donde estás II”, es un clásico instantáneo en toda regla. En “Polen” y “Braile” se acercan en cambio al sonido de los dos discos posteriores, entregándose a una rítmica y un concepto de canción más cercano al de la música electrónica (sin llegar a serlo, claro). El debut aún se debía, como hemos dicho, a un sonido, a la idiosincrasia del indie de los 90. Sin embargo, y afortunadamente para el grupo, se advierten maneras que indican que llevarán su sonido mucho más allá. 🔘
Tras nueve años, por fin, Tom Boyle han grabado su segundo disco titulado "Vuelve a empezar", toda una declaración de intenciones. Y es que ha llovido mucho desde el inolvidable debut con "Maniobra de aproximación", un álbum imprescindible y que marcó una etapa. "Vuelve a empezar" lo forman 8 canciones que se mueven por diferentes registros pero siempre dentro del universo POP, con unas letras con gran carga emocional; un disco que refleja la evolución del grupo pero sin perder el original “sonido Tom Boyle” que tantas buenas críticas ha tenido en estos últimos años. Y es que una vez escuchado, no pareciera que ha pasado tantos años desde su anterior álbum ya mencionado. Estos años de ausencia han servido para retratar un trabajo que bien está a la altura de su predecesor. Como dato curioso, por si no lo sabíais, el nombre de la banda es en honor de un skater profesional tristemente fallecido a finales de 2016. Ha sido grabado en los estudios La Mina (Sevilla) con la producción de Raúl Pérez y masterizado por Mario García Alberni en los estudios Kadifornia (Cádiz). Bienvenido de nuevo, Tom Boyle. 🍂
Con más de 300 conciertos a sus espaldas, Maryland son una formación viguesa, reconocida a lo largo de su carrera por entidades musicales como Radio 3 (Grupo Revelación para “Disco Grande”, Disco del Año para “180 grados”), Cadena Ser (“Mejor Directo” para el programa El Maketon) y el Festival Contempopránea (Grupo revelación), entre otros. "Resplandor" es un disco de alto poder emotivo y el más valiente de su carrera. Muestra en toda su amplitud el universo Maryland: ensambla con acierto las melodías y los riffs de guitarra, todo ello aderezado con la expresividad y la frescura que los caracteriza. Es durante el proceso creativo de "Resplandor" donde se origina un universo paralelo: los sentimientos comienzan a formar sistemas solares, los acordes se convierten en estrellas y las canciones en planetas. Todo nace con el único propósito de contar una historia y hacer que esta crezca y se expanda poco a poco. Como cualquier banda, Maryland tiene su universo y este se llama "Resplandor". Es, sin lugar a dudas, su trabajo más valiente, se han puesto delante de un espejo y nos narran su reflejo en diez canciones donde de manera sincera y profunda muestran, reconocen y enfrentan sus cicatrices, animando a mantenerse en pie, a resurgir como el Ave Fénix, a encontrar luz en los
recuerdos oscuros. Diez temas dirigidos hacia la música. Hablan de ella sin tapujos y relatan todo lo que les ha dado desde que comenzaron en esto, de sus desencantos también, porque defienden que para valorar algo en concreto se debe saborear también lo amargo. Hablan de continuidad, del paso del tiempo y de sentir ese "Resplandor". El disco ha sido producido por la propia banda, grabado por Pancho Suárez de Lis en los Estudios Planta Sónica II de Vigo y mezclado por Santi García en los Estudios Ultramarinos de Sant Feliú de Guixols. Para el proceso de Mastering han vuelto a confiar en Víctor García (Ultramarinos Mastering, Barcelona). 🌌
Con varios EP's y singles a sus espaldas Celéstica sigue nutriendo su discografía avanzando sin prisas, ajenos al competitivo sindiós circundante, sin dejarse acuciar innecesariamente. Canción a canción, el trío madrileño está construyendo un repertorio de considerable calado emocional, manteniendo su fidelidad al pop guitarrero de fundamento anglosajón, principalmente en su facción noventera.
"Berlín", su nuevo single, es también una de las composiciones más conmovedoras que hayan compuesto en toda su trayectoria. Conjuga melodías delicadas, ritmo sencillo y convincente atmósfera con una letra impía que describe el crepúsculo de una relación amiga de las tormentas.
Además, ofrece una perspectiva inédita sobre la voz del cantante y guitarrista Juan Sebastián, quien llega más lejos que nunca sin hacer alarde alguno. Y confirma la destreza creativa del grupo, que aquí realiza un soberbio ejercicio de contención atendiendo a lo que la naturaleza del tema reclama. No precisa de subrayados, pero deja sin aliento. Todos, en mayor o menor medida, podemos darnos por aludidos al escucharla. De eso se trata.
Apuestan, desde sus inicios, por la autoproducción y la distribución en las principales plataformas digitales (Spotify, iTunes, Deezer), manteniendo la filosofía de ofrecer todos sus temas en descarga con aportación voluntaria a través de su Bandcamp. - Twitter Facebook Youtube 🚍
"De Saloon" es el disco homónimo del grupo chileno del mismo nombre.
Originalmente fue editado por la casa discográfica argentina GmbH. A mediados del 2006 fue re-editado por la casa El Escarabajo, con nueva carátula y artbook, y 5 temas extras. En 2016 es nuevamente reeditado por Plaza Independecia.
Después de 4 largos años de espera en busca de madurez, el grupo De Saloon publica su primer álbum. El disco homónimo debutó a fines del año 2003 con la colaboración de Claudio Valenzuela (Lucybell) y Cristián López (Javiera y Los Imposibles) en los créditos de producción.
Su primer sencillo Té alcanzó una alta difusión en medios, además de que la banda se presentó en vivo en gran parte del país y su álbum superó las 2 mil copias vendidas, todo un éxito dentro de la escena local. ☕
"El salmón" es el séptimo disco editado por el músico argentino Andrés Calamaro en el año 2000 para el sello discográfico Warner Music Argentina y Dro East West.
Este álbum se caracteriza por ser un disco quíntuple, el cual luego se simplificaría a un solo disco con 25 temas y a un disco doble llamado "Salmonalipsis Now" editado en 2011.
La música popular siempre ha estado acompañada de leyendas que han generado un halo mítico alrededor de la vida de unos artistas que en realidad eran tan humanos como cualquier otro. El rock, que surgió a mitad de siglo XX en pleno auge del star system, ha sido el género que mejor ha sabido aprovechar (y rentabilizar) la existencia de esos territorios legendarios, con el eslogan del Sexo, drogas y rock and roll por bandera y una larga serie de episodios fabulosos que no pocas veces tenían más de fábula que de realidad.
Andrés Calamaro escribió su propia leyenda con el cambio de siglo y afortunadamente quedan suficientes testigos presenciales para recordarla, empezando por él mismo. "Viví mi personal rise & fall y terminé esperando la llegada del 2000 sin comprometerme con fechas. Me dejé secuestrar por mí mismo, por mi nariz y por la libertad. Trasladé el estudio a la cama y sencillamente escribí con deseo, durmiendo dos veces por semana. Estaba inspirado, un poco empachado por la sensación de poder escribir y grabarlo todo", afirma el músico, una década después de publicar "El salmón", una obra impensable e indispensable que contenía 103 canciones empaquetadas en cinco CD, y que se reeditaba en 2011 en una versión doble con cinco canciones inéditas de la época.
La extenuante gira de "Honestidad brutal" terminó en Buenos Aires en diciembre de 1999 y, como si con la llegada del 2000 se fuera a acabar el mundo, Calamaro comenzó a componer de forma frenética. Y, claro, a hacerlo rápido: "Fueron días divertidos, artísticos, reventados, marginales, extremos... Estábamos ajenos a todo, prefabricamos nuestra propia realidad y la habitamos".
El mundo siguió rodando en enero, pero él continuó grabando. Primero en su apartamento, hasta que los vecinos lograron desalojarle. Luego en un apartahotel, donde tampoco duró demasiado. Solo o en compañía de amigos como Gringui Herrera y Marcelo Scornik, Calamaro se sumió en una actividad creativa narcotizante y tóxica que él describe como 'de extraña alegría': "A los amigos les saltaron las alarmas un poco, pero tampoco me dejaba romper demasiado los esquemas y no dejaba hablar a cualquiera. Estábamos en nuestra fortaleza blindada. Sabíamos lo que estábamos haciendo, casi nunca fumábamos en pipa y ahí hay una diferencia importante; yo hacía lo que se conoce como consumo profesional. Estaba enfocado en una espiral creativa aparentemente ilimitada".
Tres meses después llegó a Madrid. Con él, una maleta Samsonite atiborrada de casetes con las más de 300 canciones que había registrado en una grabadora obsoleta de cuatro pistas. 'Me llamó desde el Palace', recuerda José Niño Bruno, batería de su banda; 'me dijo que me pasara a verle porque había estado escribiendo canciones y quería que las escuchara. Las cintas ocupaban varias cajas. Con esos cientos de temas, Andrés tenía la idea de meterse en un estudio con la banda a grabarlo todo de nuevo'.
En las siguientes semanas, escucharon las 300 canciones. En esas cintas ya estaban las versiones caseras de algunos éxitos del disco, como la titular El salmón, Ok perdón o Gaviotas, grabadas en crudo, con sólo pistas de voz, guitarra, bajo y cajas de ritmos lanzadas al azar. Los estilos se solapaban (reggae, tango, rock, country, balada, pop, mucho hip hop) y esparcidas al azar se oían versiones de los Rolling Stones, los Beatles, Atahualpa Yupanqui y una descerebrada lectura discotequera del No woman, no cry de Bob Marley.
También había experimentos, como una pesadilla en forma de canción que duraba media hora y estaba construida a base de loops, gritos, samples, ruidos y sonidos de sintetizador manipulados. Calamaro había jugado a ser Bob Dylan, Brian Wilson y Lee Scratch Perry, todos en uno. 'Recuerdo que una de las cintas contenía una serie de canciones con la particularidad de que todas se llamaban Mi funeral. La que al final se incluyó en El salmón fue Mi funeral 11', explica Niño Bruno.
Calamaro se instaló en el hotel Conde Duque, en el centro de Madrid, y mientras preparaba la grabación en el estudio seguía componiendo. 'Ariel Rot fue a verle un día y terminó tocando la guitarra y haciendo coros en una decena de canciones', rememora David Bonilla, jefe de producto de DRO, el sello discográfico del músico. Otro de los que participaron en las grabaciones previas fue el bajista Candy Caramelo: 'No había un plan. Simplemente había mucha urgencia por grabar y grabar las canciones que estaban en las maquetas. Y entre medias seguía componiendo. Andrés hacía las letras en el momento: primero grababa una base con acordes de guitarra con el primer ritmo que saliera de la máquina, después metía otra guitarra y un bajo y al terminar hacía la letra. Muy pocas veces repetía algo, eran casi todas primeras tomas', recuerda Caramelo.
El músico hispanoargentino iba diseñando en su cabeza el artefacto que podría servir de vehículo a semejante producción de canciones. Quizás para avisar de lo que se avecinaba, se acercó a la oficina de DRO en Madrid con una docena de CD que recogían por temas una primera selección de canciones. Cada uno tenía su portada y su título, tarea a la que le ayudó Juan Luis Ambite, el exbajista de los Pistones, que durante ese período ejerció de asistente personal de Calamaro.
'Al principio tenía una idea de diseño de packaging que hacía posible llevar cinco CD en el bolsillo trasero de unos Levis. Sin embargo, El salmón se inspiró en los discos navideños, perfectamente corrientes por aquel entonces: 101 mejores canciones del pop español, 101 mejores canciones de los ochenta... Era un formato homologado, perfectamente conocido por las discográficas. Vender cinco discos a precio de uno y medio', afirma Calamaro.
En el mes de mayo, entró a grabar en los estudios Sintonía de Madrid con el grupo que le había acompañado en la última gira: además de Niño Bruno y Candy Caramelo, los guitarristas Guille Martín y Gringui Herrera y el teclista Ciro Fogliatta. El hecho de que en lugar de diez o 12 canciones fueran 300 lo convertía todo, lógicamente, en una auténtica locura.
A eso había que añadir el deseo de Calamaro de conservar pistas de sus maquetas caseras. Muchos de los temas que aparecen en "El salmón" tan sólo recibieron retoques de ingeniería en el estudio, lo que permite obtener una visión muy aproximada de cómo fue creado, una especie de fotografía del work in progress del músico.
Trabajaron seis o siete días a la semana durante tres meses. Entraban en el estudio a las cuatro de la tarde y salían a las seis de la mañana. 'Cada día Andrés era el primero en llegar y el último en irse. Jamás salía ni al pasillo: estaba siempre tocando, cantando o a los mandos de la nave', comenta Candy Caramelo.
En una de esas sesiones, Calamaro insistió en seguir grabando cuando ya se hacía de día. Se quedó solo con el ingeniero de sonido del estudio, Álex Badreddine, que le dio varias ideas para una canción, Me cago en todo, y acabó figurando en los títulos de crédito del disco como coautor.
Por el estudio también pasaron músicos como Jaime Urrutia, Enrique Bunbury, Ariel Rot, Andy Chango o Jerry González, a los que Andrés invitaba a colaborar.
Las 103 canciones (101, en realidad, ya que dos se repiten en versiones alternativas) se terminaron de grabar en julio. Los músicos soñaron todo el verano con volver a salir de gira, pero Calamaro tenía otros planes. El principal: desaparecer.
"El salmón" se publicó en otoño al precio de un disco y medio (3.500 pesetas), en una edición sobria para abaratar una producción descomunal. En el primer mes y medio superó las 50.000 copias, lo que supuso un éxito para tratarse de un álbum quíntuple.
Calamaro casi no hizo entrevistas. Se había mudado a un piso en la calle de Hermosilla. 'Sólo tenía una silla, así que las entrevistas se tuvieron que hacer en la cama', recuerda David Bonilla. Durante el año siguiente, el ritmo de producción no decayó.
En 2003, entregó 200 canciones más, recopiladas como Inedit toxic. ¿Por qué no se publicaron? 'Andrés no quiso', zanja Bonilla. Por entonces, Calamaro vivía en un pueblo de la Sierra de Gredos, cerca de donde compartirá escenario, el próximo 2 de julio, con Joaquín Sabina. Pero en aquel momento, él no quería oír hablar de giras: 'Seguí grabando al mismo ritmo unos años más. Ya eran otro tipo de giras... touring the night away... ¡La verdadera gira!', responde Calamaro. La música se lo llevó después de facturar la obra de un loco, pero como dijo él, 'un loco trabajando'.
En abril del 2000, Andrés Calamaro llegó a las oficinas de DRO con una docena de discos compactos que incluían una buena parte de las 300 canciones que había grabado en los tres meses anteriores. ¿El sueño o la pesadilla de cualquier sello discográfico? Les había preparado una portada a cada CD, con títulos como "El dinero va y viene", "Mala fama", "Prostitución" o el que se planteó como título previo a "El salmón", "Paraíso perdido".
En los listados de canciones se leen numerosos títulos que no aparecieron finalmente entre las 103 canciones de "El salmón" (Hitler a las 10, ¿Por qué nos drogamos? o Bueno sin freno), otras que aparecieron en el posterior "Obras incompletas" (como Mono de Kubrick) y algunas versiones que el músico terminó colgando en su página web, como el Stir it up de Bob Marley. Una obra faraónica que si bien no es apta para todos los públicos, para los fans acérrimos es un diamante en bruto el cual pulir y acercarnos más al Andrés más crudo y en estado puro.
En la ciudad sueca de Jönköping surgieron en el año 2000 The Mary Onettes, cuarteto formado por el cantante, guitarrista y compositor Philip Ekstrom, el guitarrista Peter Agurén, el bajista Henrik Ekstrom, hermano de Philip, y el batería Simon Fransson.
Sus sonidos pop-rock rememoran los tiempos de la new wave y el post-punk de finales de los años 70 y la década de los 80, poseyendo influencias tanto de los Echo & The Bunnymen como de Joy Division, The Cure, New Order, The Smiths o A-Ha.
Después de publicar el EP "Make Me Last" (2005) y editar varios singles, como "Lost", "Pleasure Songs" y "Void", el grupo logró debutar en formato álbum con el homónimo "The Mary Onettes", en donde sus influencias new wave se manifestaban con composiciones tan melancólicas como sofisticadas y etéreas, cercanas al dream pop.
"Chang y Eng" además de ser el último disco del dúo formado por Xoel López y Félix Arias, es una metáfora de la amistad que les une.
Los famosos hermanos Chang y Eng, siameses por partida doble –nacieron en la antigua Tailandia y estaban trágicamente unidos por el esternón-, fueron en el siglo XIX objeto de miradas científicas y, ante todo, curiosas.
Así se sienten, todavía y con matices, Xoel López y Félix Arias, con su proyecto Lovely Luna, el cual desarrollaron en paralelo a sus carreras musicales.
Sus pequeñas canciones, que basculan "entre la poesía y el microrrelato", títulos incluidos –léase la Balada del hombre desesperado y la novia en el río-, indagan en las raíces del folk y "las armonías locales", algo que, cuando ambos tenían 14 o 15 años, sonaba ya a "pureta", según el cantante. A partes iguales, escriben, hablan, posan, se corrigen y se lanzan piropos; "más fifty fifty no puede ser", apostilla Arias.
El álbum "Chang y Eng", un trabajo que podría ser "perfectamente de la edad media", nació a partir de una letra experimental de Xoel: "Me propuse hacer algo que no tuviera que ver necesariamente con mi vida, que fuera una historia universal". A su compañero le gustó y el conjunto se convirtió en una metáfora de su larga relación, mediante la que no buscan, de ninguna manera, "ser ricos ni famosos" como les ocurrió a los hermanos siameses, explican.
👬
Parando el tráfico
El tercer día de abril
Chang y Eng
Llegó una carte
Rosa
Borrascón
Tan sólo es la vida
Balada del hombre desesperado y la novia en el río
Apartamentos Acapulco, después de su primer larga duración "Nuevos Testamentos", que tan buenos resultados les está dando, vuelven a traernos nuevas canciones, esta vez en una cuidada edición de 7 pulgadas (descarga digital incluida).
"Las cuatro esquinas" es el título que recibe este trabajo de cuatro canciones que grabaron en el verano del 2017 y que han querido recopilar ahora en este pequeño vinilo, coeditado por El Volcán Música y El Ejército Rojo y con la ayuda de el programa "Girando por Salas".
Cuatro cortes de un sonido atmosférico a la vez que crudo y sucio que se mezclan con las melodías etéreas a dúo de Angelina e Ismael, seña ya de identidad de la banda.
"Imágenes" esel debut de este dúo de hermanos murcianos llamado Me Enveneno de Azules, dando inicio así a unos de los grupos referentes del pop indie español, aún habiendo editado solamente un disco de larga duración, el inolvidable "1968".
Canciones pop perfectas, con emocionantes letras en castellano y armonías vocales de ensueño.
Incluye su hit Confundido, y tres temas más de belleza cristalina, para amantes del mejor pop atemporal.
Modelo de Respuesta Polar se encuentra en un momento clave. Su primer disco, "Así Pasen Cinco Años", les puso en el disparadero en cuanto al más personal rock alternativo cantado en castellano. Un viaje al meollo de la cuestión que toda banda debe acatar si de verdad va en serio. Toca mover ficha. A Borja Mompó, alma máter de la formación, le sucede exactamente lo mismo. Ahí están: grupo y artista en ese momento crucial. Y entonces llega "El Cariño" y disipa de una sola escucha todo temor.
Sin perder la esencia de su sonido, en el que guitarras (eléctricas y acústicas) y percusiones marcan la pauta y juegan con las intensidades, Modelo de Respuesta Polar ha evolucionado con este álbum alcanzado una dulce y madura meseta. No es casual que en la producción se halle la docta mano de un Suso Saiz que no dudó en apartarse del mundanal ruido, junto a Mompó, para macerar a fuego lento las diez canciones que conforman la obra. Nada, salvo la reacción que provoca, se ha dejado al azar. El segundo largo de la banda valenciana atrapa al instante de prenderlo. Arreglos envolventes (bienvenidos sintetizadores y someras dosis electrónicas) arropan la emotiva voz de un experto seductor que se sirve de una batería de buenas intenciones para dirigir al oyente al ojo del huracán. Mompó, que recuerda a Matt Berninger (The National), no canta: susurra, acaricia y silba al oído como ese amante que juega con el ritmo de nuestras pulsaciones con caliente e irresistible aliento. Entonces, zas, estás perdido, se torna en animal. No es bueno confundir cariño con amor. Una vez dentro, no escapas (ni quieres hacerlo) a los hipnóticos paisajes sonoros, que son como pequeñas espirales sentimentales en las que todos nos hemos visto (o nos veremos) envueltos. Cortometrajes en color se mezclan con otros en blanco y negro para descubrir, ya desorientado, que era la misma película. Amor, dudas, euforia, añoranza y dolor van en el paquete. “No creo que aparezca de nuevo algo mejor / No quiero que aparezca de nuevo algo mejor”. Si buscan soluciones, aquí no las encontrarán. La vida es imperfecta y en eso consiste la gracia (“seguir así no importa”), en transformar el tormento en algo tan precioso como estas canciones.
La instrumentación es vital y, de nuevo, los hermanos Jorge y Francisco Mollá (bajo y guitarra respectivamente) cubren con eléctricas capas y melodías progresivas esas composiciones circulares que van aumentado hasta estallar en el cielo. La novedad, capital, viene de la mano de Pau Paredes a las percusiones. Paredes (también teclados y bases) ha entendido perfectamente el tránsito de la sencilla desnudez a la violencia rock que requiere el proyecto. A ese combinado le unimos la esencia acústica y la prosa punk (sin escudos y directa) de Mompó y tenemos "El Cariño". En tiempos de prisas, excesos y música de diseño, nada como el valor de la sencillez, de lo puro y bien acabado, para recordarnos que lo que no es esencial es alienante. La playa está al final del camino y para alcanzarla se dan los rodeos que haga falta. 💞
De las cenizas de Autómatas surge Vuelacruz,presentando un disco debut que suena a veteranía.
Es el primer pensamiento que puede rondar las sienes tras la reproducción del álbum homónimo de estos jiennenses.
Estos onces cortes no se remiten solo a la belleza formal de la música -el nivel presentado es de matrícula-, va más allá porque lo que se propone tiene ese filo de riesgo y búsqueda que separa los fuertes de los débiles. Vuelacruz propone pop, pero también pone sobre la mesa la riqueza sonora del folk y una paleta instrumental valiente, para los instrumentos secundarios, que va desde trompetas fronterizas hasta el banjo o el theremin.
Mantuvimos Cielos abre el álbum con brillantez y una melodía arrebatadora, siendo quizás el tema que mejor representa el espíritu Vuelacruz. Cortes como el single Si Encuentro Algo Que Decir, El Temblor, Me He De Perder (es innegable la pegada casi pasional de la sección metales), La Capacidad y No Habrá Perdón suben muchos enteros el impacto del álbum, con una acertada y balanceada oscilación de mid y up-tempos, ricos patrones rítmicos y picos de emoción. Salta a los sentidos la mano sabia de Paco Loco en la producción, sabedor de que hilos tirar para engrandecer el robusto cancionero.
Tras el último verso del cierre acústico Arder-…y tú me has visto arder- se hace evidente que Vuelacruz, armados de inspiración y versatilidad, se han apuntado sólidamente al pelotón de cabeza de la escena independiente española.
La primera Selección Aviar del año tiene calidad para dar y regalar, no podía ser de otra manera si vemos la plantilla de artistas y grupos que la forman.
Urtain, Nosoträsh, Jean Paul, Pumuky, Biznaga, Futuro Terror, Mercromina, The Cranberries, Los Totales, Camera Obscura, Lisandro Aristimuño, Ornamento y Delito... y la lista sigue hasta diecinueve temazos.
Y una portada especial para este primer recopilatorio aviar del año, Michelle Pfeiffer encarnando a la seductora Catwoman junto al inseparable amigo de Snoopy, el pequeño Emilio ahora compañero de la gata negra.
Otra brillante obra de Fab Ciraolo para otra brillante Selección Aviar. 🐈
Más canciones de estos chicos llamados Los Totales.
Si hace poco os mostramos "Siempre estamos" compuesto por tres temas, ahora es el turno de "Los nuevos adolescentes", su última grabación hasta la fecha, las cuales sirven como avanzadilla de su próximo álbum que por nombre llevará "Todos los días del apocalipsis", a salir en marzo.
Tres canciones que de nuevo transcurren entre las calles de la gran ciudad, entre historias cotidianas de adolescentes y no tan adolescentes.
